Desde aderir a diferentes blocos de construção até reservar o direito de dizer não, falamos com ilustradores com estilos únicos para descobrir como eles funcionam em diferentes contextos comerciais.
Um estilo ilustrativo distinto pode ser uma bênção e uma maldição – por um lado, pode significar instantaneamente para os outros quando você está envolvido em um projeto, mas adaptar esse estilo para se ajustar a contextos comerciais diferentes pode ser difícil.
Para explorar como os ilustradores podem ter o melhor dos dois mundos, pedimos a cinco deles com estilos criativos exclusivos – variando de aquarelas suaves a rostos engraçados e formas geométricas – para explicar como eles adaptam seu trabalho para se adequar às demandas de diferentes clientes e projetos.
Tenha um conjunto de “blocos de construção” flexíveis
Para o ilustrador Rob Flowers, a espinha dorsal de seu processo criativo está em um conjunto de blocos de construção. Ele disse à Design Week que esses elementos incluem uma paleta de “cerca de 15 cores”, uma seleção de formas de nariz e rosto que vão para o rosto e as mãos dos personagens desenhadas com três dedos em vez de cinco.
“Esses blocos de construção sempre permanecem os mesmos, não importa qual seja o briefing”, diz ele. A soma desses elementos forma seu estilo único, que ele diz ser inspirado em obras como o artista alemão Max Ernst, a antiga Penny Dreadfuls e a televisão infantil dos anos 1970 nos Estados Unidos. Nos últimos 15 anos, essa abordagem fez com que ele trabalhasse principalmente com personagens com clientes tão diversos como Asos, Nike, Google, a Cruz Vermelha Britânica e até mesmo o Museu de Bruxaria e Magia da Cornualha.
Longe de manter seu estilo rígido e regimentado, Flowers diz que ter um conjunto de blocos de construção bem definidos permite que ele seja “flexível e colaborativo”. Não se desviar muito desse estilo básico significa que ele está “disposto a fazer mudanças e ajustar coisas com base no feedback do cliente” em outros aspectos de um projeto.
Ele dá o exemplo de uma série recente de anúncios impressos que produziu para a Boots, que era uma versão “muito mais simplificada” de seu estilo usual e apresentava apenas duas cores. Embora isso tenha sido um afastamento de suas cenas tipicamente agitadas e coloridas, foi baseado em seus “blocos de construção”. Ele diz: “Os pesos das linhas e faces ainda eram consistentes com o que eu costumo fazer”.
“Para mim, é importante escolher suas batalhas em termos de fazer mudanças ou defender sua aparência – eu me pergunto: ‘Posso viver com essa mudança ou preciso tomar uma posição aqui?’”, Diz Flowers. “Eu acho que quando você está se aproximando de um projeto comercial, você tem que estar preparado para ser flexível, porque no final do dia você está trabalhando para um cliente e é sua função cumprir o briefing.”
Discuta o estilo com os clientes “desde o início”
Ben O’Brien, também conhecido online como Ben, o Ilustrador, também incentiva os criativos a se estabelecerem em um estilo distinto e flexível de usar. Além disso, ele enfatiza a importância de ter um diálogo aberto com os clientes desde os primeiros estágios de um projeto.
O estilo de O’Brien, que pode ser encontrado no trabalho de empresas como Microsoft e o Guardian, bem como nos emojis oficiais de Elton John e Mariah Carey, é caracteristicamente brilhante e ousado. Não importa a encomenda, tudo é feito a partir de “formas geométricas limpas, linhas retas e círculos perfeitos” e muitas vezes com “o mínimo de detalhes possível”, explica.
Como resultado disso, ele diz que prefere verificar com os clientes para garantir que eles concordem com suas decisões criativas exclusivas.
“Freqüentemente, vou verificar com os clientes como faço as coisas”, diz O’Brien. “Por exemplo, geralmente ilustro figuras sem pescoço, então, se estivermos fazendo algo figurativo, posso até perguntar a eles se está tudo bem não ter pescoço.”
Ter essas conversas nos estágios iniciais de um projeto é o melhor, diz ele, já que isso sinaliza desde o início onde e quando ele pode ter que “se comprometer”, por exemplo, tendo que considerar uma paleta de cores girando em torno das cores da marca de um cliente.
Tenha um portfólio que “exemplifique o trabalho” que você mais adora fazer
A importância do diálogo entre cliente e ilustrador é sublinhada também pela ilustradora franco-alemã Hélène Baum. Ela disse à Design Week que gosta de encontrar “novas soluções visuais” com os clientes como resultado dessas conversas.
Mas antes que ela e um cliente cheguem a esse estágio, Baum impressiona a importância de um portfólio com curadoria adequada em seu processo. Ela explica: “Só incluo no portfólio trabalhos que me satisfaçam, pois é um trabalho que exemplifica o que mais amo fazer”.
Sendo este, na maioria das vezes, o primeiro compromisso que um cliente terá com a Baum, ela é capaz de mostrar “sua maneira de fazer as coisas” e incentivar as pessoas a contratá-la porque “gostam do que eu faço”, diz ela.
Como resultado, em sua carreira de quatro anos, Baum diz que teve a sorte de a maioria dos clientes permitir que ela fizesse suas próprias coisas, e esses clientes incluem o New Statesman, Penguin Random House e Zalando.
“Só uma vez fui empurrada gradualmente para um estilo muito diferente durante um projeto com uma paleta de cores que era oposta à minha e foi uma experiência desconfortável”, lembra ela. “Existem tantos ilustradores por aí que têm abordagens e estéticas únicas, os clientes devem ser capazes de encontrar o artista adequado e confiar que eles farão isso – parece um desperdício de energia para ambas as partes tentarem dobrar o círculo em um triangulo.”
Mantenha o seu estilo, mesmo que não seja “na moda”
Embora um estilo exclusivo seja ótimo se estiver na moda, quando as tendências mudam pode parecer assustador ainda estar criando de uma forma confortável para você. A ilustradora Linzie Hunter, baseada em Peckham, orienta os ilustradores nos primeiros estágios de suas carreiras, e essa preocupação é um tópico frequente de conversa, diz ela.
“É um pouco como o ovo e a galinha – você quer ter um estilo estabelecido para conseguir trabalho, mas sem trabalho você não consegue aperfeiçoar seu estilo”, explica Hunter.
No entanto, ela diz que um dos fatores-chave de possuir um estilo em diferentes contextos comerciais é persistir nele. Com sua própria prática, Hunter explica que levou algum tempo para ela ficar em paz com sua abordagem “fofa”, que a viu ilustrar inúmeros livros infantis e, mais recentemente, conseguir seu próprio contrato de livro.
“Levei um tempo para apreciar ser bonita em vez de irritadiça ou política”, diz ela. “Acho que ficar de olho no que é atual é útil, mas não a ponto de tentar mudar seu estilo completamente”, acrescenta Hunter, lembrando o estilo “álbum chill-out de Ibiza” que era popular quando ela começou um carreira em ilustração há 14 anos.
Reserve o direito de dizer “não”
Parte de ser um ilustrador profissional, como toda a Design Week comentou, é trabalhar com um cliente para criar algo que agrade a ambas as partes. Dito isso, quando uma comissão começa a parecer muito controladora, reservar-se o direito de dizer não é uma ferramenta importante no arsenal de um ilustrador.
Como O’Brien diz: “Se um cliente está procurando comissioná-lo, mas realmente deseja controlar seu estilo ou levá-lo em uma direção na qual você não está criativamente feliz, então talvez você não seja o ilustrador que eles deveriam contratar. ”
Isso é repetido pelo ilustrador francês Mattieu Bessudo, também conhecido como Mcbess. O estilo ilustrativo escuro, preto e branco de Bessudo é fortemente influenciado pelas inspirações gráficas às quais ele foi exposto enquanto crescia – ele cita nomes como Betty Boop, a série de animação Merrie Melodies e Fleischer Studios.
É um estilo que lhe rendeu projetos para a Nike, Nissan e Deezer, e ele diz que é muito protetor. Como resultado, Bessudo diz que “ser capaz de dizer não” é uma parte importante de sua prática – seu site, por exemplo, afirma explicitamente para clientes em potencial: “Não peça cores”.
Bessudo explica que quando os clientes vêm até ele com uma ideia que está “a quilômetros de distância” do que ele faz, muitas vezes ele tenta “dobrar” o briefing para se adequar ao seu estilo e abordagem. Mas se isso é algo que ele não pode fazer, ele diz que “a melhor coisa a fazer é ser franco sobre o trabalho não ser um bom ajuste”.
“Sei o que não vou desenhar e geralmente meus clientes acabam gostando dessa qualidade em mim”, diz ele. “É verdade com todas as outras embarcações – você não iria a um restaurante e pediria ao chef para mudar sua receita porque se você tem respeito por uma pessoa, você aprecia o que ela faz.”