Se você quiser aprender algumas coisas sobre cores, por que não recorrer aos verdadeiros mestres cujo trabalho artístico resistiu ao teste do tempo? Grandes pintores quase sempre possuem uma compreensão aguçada das cores que é verdadeiramente impressionante quando você para para apreciá-las.
Acompanhe enquanto extraímos paletas de cores de dez dos meus artistas e pinturas favoritos e aprendemos algumas coisas sobre a história da arte no processo. Você poderá ver cada paleta como uma amostra do Adobe Color CC e soltá-la diretamente no Photoshop!
Noite estrelada
Noite Estrelada foi pintada em 1889 pelo infame Vincent Van Gogh, um pintor pós-impressionista holandês que cortou a orelha esquerda, embrulhou-a em jornal e entregou-a a uma prostituta (e você achou que sua noite de sexta-feira era uma loucura). A pintura supostamente retrata a vista da janela do sanatório de Van Gogh no sul da França.
Ele pode ter sido um pouco excêntrico (ok, maluco), mas o homem certamente tinha uma sensação de cor. A paleta de cores ousadas e frias que ocupa a maior parte da tela é lindamente violada pelos tons intensos e quentes das luzes e estrelas.
Monalisa
Sfumato e claro-escuro: duas palavras engraçadas que ajudam a descrever o estilo interessante da obra mais famosa de Leonardo Da Vinci, Mona Lisa. Sfumato descreve um método de misturar cores de forma sutil, é isso que dá à pintura um aspecto quase esfumaçado. Claro-escuro refere-se ao contraste entre claro e escuro, o que confere à pintura uma sensação de profundidade em áreas como olhos e mãos.
A paleta de cores aqui é escura e rica, perfeita para um toque maduro e sofisticado. Curiosidade, esta pintura é bem menor do que você esperava. Fiquei impressionado com o quão pequeno ele era em comparação com muitas das enormes obras ao seu redor no Louvre.
O grito
O Grito é uma obra de arte particularmente assustadora pintada pelo expressionista Edvard Munch em algum lugar entre 1893 e 1910. A história desta pintura sempre me fascinou, pois parece ser um alvo constante de ladrões. Foi roubada com sucesso (e posteriormente recuperada) em 1994 e 2004. Temia-se que a pintura pudesse ser demasiado frágil para sobreviver à última provação, mas felizmente foi obtida com apenas pequenos danos.
É incrível para mim que uma paleta tão amigável e suave possa resultar de uma imagem tão intensa e perturbadora. A inspiração vem dos lugares mais improváveis!
Última Ceia
Eu posso ouvir você agora… “Espere! Essa não é a Última Ceia que eu conheço!” A Última Ceia de Da Vinci é muito mais popular do que esta peça do pintor veneziano Tintoretto do final dos anos 1500, mas sempre gostei mais desta. Tintoretto tem um jeito de usar cores intensas, perspectivas interessantes e ilusões de iluminação malucas para retratar cenas absolutamente lindas.
Uma tarde de domingo na ilha de La Grande Jatte
Para realmente apreciar esta pintura, é preciso olhar de perto. George Seurat pintou esta beleza em 1884 utilizando um estilo hoje conhecido como pontilhismo, que utiliza milhares de pequenos pontos de cor pura que se juntam e formam uma imagem coesa quando vistos à distância. Pense em quanto trabalho deve ter sido necessário para criar uma imagem desta escala!
Obviamente, Seurat era um mestre em cores, então você definitivamente poderia seguir algumas dicas dele, escolhendo algumas das cores usadas nesta pintura impressionante.
O optometrista
Normal Rockwell é talvez o pintor americano mais icônico que já existiu. Durante todo o início e meados de 1900, ele retratou a vida cotidiana americana de uma forma que continua a conquistar os corações de milhões de pessoas (ele produziu mais de 4.000 obras originais!). Meus avós tinham a arte de Rockwell colada em todas as paredes quando eu era criança. Olhar para qualquer um de seus trabalhos me leva instantaneamente de volta aos verões longos e perfeitos na zona rural do Missouri.
As paletas de cores da Rockwell sempre me fascinaram e foram a inspiração original para este post. Escolhi “The Optometrist” especificamente porque acho que captura perfeitamente a maneira como ele usou as cores para contar uma história e definir com precisão um período de tempo.
A Grande Onda de Kanagawa
Muitas vezes referida simplesmente como “A Grande Onda”, esta bela obra é tecnicamente uma xilogravura, produzida entre 1830 e 1833 pelo artista japonês Hokusai. Isso faz parte de uma série que foca na área ao redor do Monte Fuji, que é mostrado aqui ao fundo, e é uma das obras de arte japonesas mais famosas até hoje.
Adoro a forma como o formato e a cor das ondas são refletidos pela montanha ao fundo; um exemplo fascinante de uma espécie de simetria natural.
O beijo
“Der Kuss” é um momento íntimo retratado pelo pintor austríaco Gustav Klimt em 1907. As imagens digitais deste nunca fazem justiça, pois a pintura real usa folha de ouro para realmente criar um efeito brilhante.
Ainda assim, podemos extrair algumas cores muito bonitas da versão digital. A paleta aqui é maravilhosamente terrosa, perfeita para uma sensação do velho mundo.
A Persistência da Memória
Os surrealistas eram um grupo inebriante que sempre criava arte cujo objetivo era retratar algum conceito profundo. Esta pintura incrivelmente popular de Salvador Dalí de 1931 supostamente pretende retratar a relatividade do espaço e do tempo… ou o queijo derretendo ao sol (sério).
De qualquer forma, com sua paisagem de alto contraste e cheia de sombras, é um ótimo estudo de cores!
Lírios
O impressionismo francês foi um movimento artístico do século XIX caracterizado por pinceladas finas, mas visíveis, e coincidiu com os avanços nos pigmentos sintéticos e com o abandono dos vernizes que eram normalmente usados para tonificar as cores. O resultado foi uma cor brilhante, linda e muito.
Se você puder nomear um impressionista, provavelmente é Claude Monet, e se você puder nomear uma de suas obras, provavelmente será Nenúfares. A parte interessante é que Nenúfares não é na verdade uma peça única, mas sim uma série de cerca de 250 pinturas!
